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50 Meisterwerke der Malerei, die jeder gebildete Mensch kennen muss

50 шедевров живописи

Kunst (aus der Kirche herrliche Kunst, Kunst. Herrliche Kunst - Erfahrung, Prüfung) - bildliches Verständnis der Wirklichkeit; der Prozess oder das Ergebnis des Ausdrucks des Inneren oder Äußeren (in Bezug auf den Schöpfer) der Welt in einem künstlerischen Bild; Kreativität, die so ausgerichtet ist, dass sie nicht nur das Interesse des Autors selbst, sondern auch anderer Menschen widerspiegelt. Kunst (neben Wissenschaft) ist eine der Erkenntnisweisen, sowohl in den Naturwissenschaften als auch im religiösen Bild der Wahrnehmung der Welt.

Früher war Kunst ein Privileg der Eliten, aber heute kann jeder ein Museum oder eine Philharmonie besuchen, um die großartigen Werke der Vergangenheit zu genießen. Ein moderner Mensch, der als gebildet gelten möchte, sollte in diesen Dingen zumindest ein wenig versiert sein und beispielsweise in der Lage sein, Manet von Monet zu unterscheiden.

Niemand sagt, dass es notwendig ist, sich mit allen Werken der Autoren vertraut zu machen, die zu Recht als großartig gelten, aber es lohnt sich immer noch, die wichtigsten Werke zu kennen. Dies ist zumindest für die Gesamtentwicklung sehr nützlich. Aus diesem Grund haben wir uns entschlossen, die berühmtesten Gemälde zu sammeln, die jemals von Menschen geschrieben wurden.

Der Kunstbegriff ist extrem weit gefasst - er kann sich als extrem entwickelte Fähigkeit in einem bestimmten Bereich manifestieren. Kunst galt lange Zeit als kulturelle Aktivität, die die Liebe des Menschen zum Schönen befriedigt. Kunst hat das Recht, zusammen mit der Entwicklung sozialästhetischer Normen und Einschätzungen jede Tätigkeit zu nennen, die darauf abzielt, ästhetisch ausdrucksvolle Formen zu schaffen.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa

Леонардо да Винчи, «Мона Лиза»

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Italienisch: Leonardo di Ser Piero da Vinci; 15. April 1452, das Dorf Ankiano, in der Nähe der Stadt Vinci, in der Nähe von Florenz - 2. Mai 1519, Schloss von Clos-Luce, in der Nähe von Amboise, Touraine, Frankreich) - Italienischer Künstler ( Maler, Bildhauer, Architekt) und Wissenschaftler (Anatom, Naturforscher), Erfinder, Schriftsteller, Musiker, einer der größten Vertreter der Kunst der Hochrenaissance, ein anschauliches Beispiel für den "universellen Menschen" (lat. homo universalis).

"Mona Lisa" oder "Mona Lisa" (Italienisch: Mona Lisa, La Gioconda, vollständiger Name - "Porträt von Madame Lisa del Giocondo", Italienisch. Ritratto von Monna Lisa del Giocondo) - Gemälde von Leonardo da Vinci, eines der berühmtesten Gemälde . Das genaue Datum des Schreibens ist unbekannt (einigen Quellen zufolge wurde es zwischen 1503 und 1505 geschrieben). Jetzt im Louvre aufbewahrt. Es wird vermutet, dass das Gemälde Lisa Gerardini zeigt, die Frau des florentinischen Seidenhändlers Francesco del Giocondo.

Rafael Santi, Sixtinische Madonna

Рафаэль Санти, «Сикстинская Мадонна»

Rafael Santi (italienisch: Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo; 26. oder 28. März oder 6. April 1483, Urbino - 6. April 1520, Rom) - italienischer Maler, Grafiker und Architekt, Vertreter der umbrischen Schule.

"Sixtinische Madonna" (italienisch: Madonna Sistina) - ein Gemälde von Raffael, das seit 1754 in der Galerie der Alten Meister in Dresden steht. Gehört zur Anzahl der allgemein anerkannten Gipfel der Hochrenaissance.

Jerome Bosch, „Garten der irdischen Freuden“

Иероним Босх, «Сад земных наслаждений»

Jeroen Antonison van Aken (Niederländisch. Jeroen Anthoniszoon van Aken [jəˈrun ɑnɑtoˈnːsoɪˌn vɑn ˈaˈkː (n)], besser bekannt als Jerome Bosch (Niederländisch. Jheronimus Bosch [ˌɦijeˈroˈnimʏs ˈbˈsnim. Künstler, einer der größten Meister der nördlichen Renaissance. Über zehn Gemälde und zwölf Zeichnungen sind von der Arbeit des Künstlers erhalten. Er wurde zum Mitglied der Bruderschaft Unserer Lieben Frau (Holländer. Illustre Lieve Vrouwe Broederschap; 1486) geweiht; gilt als einer der mysteriösesten Maler der westlichen Kunstgeschichte. In der Heimatstadt von Bosch, dem niederländischen Hertogenbosch, wurde das Bosch-Kreativzentrum eröffnet, in dem Kopien aller seiner Werke ausgestellt sind.

"Garden of Earthly Delights" - das berühmteste Triptychon von Jerome Bosch, das nach dem Thema des zentralen Teils benannt wurde, widmet sich der Sünde der Wollust - Luxuria. Der Originaltitel dieses Werkes von Bosch ist nicht sicher bekannt. Die Forscher nannten den „Garten der irdischen Freuden“ ein Triptychon. Im Allgemeinen wird keine der heute verfügbaren Interpretationen des Bildes als die einzig wahre anerkannt. Die meisten Theorien zur Bedeutung des Bildes wurden im 20. Jahrhundert entwickelt.

Diego Velazquez, Menin

Диего Веласкес, «Менины»

Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (spanisch: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez; 6. Juni 1599, Sevilla, Königreich Kastilien und León - 6. August 1660, Madrid, Spanien) - spanischer Künstler, der größte Vertreter der Madrider Schule des goldenen Zeitalters der spanischen Malerei , Hofmaler von König Philipp IV. Unter seinen Schülern sind Esteban Murillo und Juan de Pareja. Die einzige Aussage des Künstlers, die erhalten geblieben ist, lautet: "Ich bevorzuge es, das Beste im Bild der Hässlichkeit zu sein und nicht das Zweite im Bild der Schönheit."

"Menin" (Spanisch Las Meninas - "Trauzeuginnen") oder "Familie von Philip IV" - ein Gemälde von Diego Velazquez, geschrieben im Jahre 1656. Eines der berühmtesten Gemälde der Welt, das heute im Prado-Museum aufbewahrt wird.

Die Leinwand zeigt eine Szene, in der Velazquez in Gegenwart ihrer Tochter Infanta Margarita Teresa und ihres Gefolges ein gemeinsames Porträt des spanischen Königs Philipp IV. Mit seiner Frau und Nichte Marianne von Österreich malte. Die komplexe und mysteriöse Komposition des Bildes wirft Fragen nach Illusion und Realität sowie nach der Unsicherheit der Verbindung zwischen Betrachter und Figur auf.

"Menin" gilt allgemein als eines der wichtigsten und am gründlichsten untersuchten Gemälde in der Geschichte der westlichen Kunst. Laut dem italienischen Barockmeister Luke Giordano handelt es sich um eine "Theologie der Malerei", und der Präsident der Königlichen Akademie der Künste, Sir Thomas Lawrence, nannte sie "eine wahre Philosophie der Kunst". Nach einer modernen Schätzung ist dies „die höchste Errungenschaft von Velazquez - eine selbstbewusste und sorgfältig überprüfte Demonstration der Grenzen der Malerei; Vielleicht die tiefgreifendste Aussage über ihre Möglichkeiten, die sie je gemacht hat. “

Eugene Delacroix, "Freiheit führt das Volk"

Эжен Делакруа, «Свобода, ведущая народ»

Ferdinan Victor Eugene Delacroix (französisch: Ferdinand Victor Eugène Delacroix; 1798–1863) - französischer Maler und Grafiker, Führer des romantischen Trends in der europäischen Malerei.

"Freiheit führt das Volk" (französisch: La Liberté guidant le peuple) oder "Freiheit auf den Barrikaden" ist ein Gemälde des französischen Künstlers Eugene Delacroix. Es gilt als einer der wichtigsten Meilensteine ​​zwischen Aufklärung und Romantik.

Mikhail Vrubel, "The Demon Sitting"

Михаил Врубель, «Демон сидящий»

Michail Alexandrowitsch Wrubel (5. März 1856, Omsk, Sibirien-Kirgisien, Russisches Reich - 1. April 1910, St. Petersburg) ist ein russischer Künstler der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert, der in fast allen Arten und Gattungen der bildenden Kunst tätig war: Malerei, Zeichnung, dekorative Skulptur und Theaterkunst. Seit 1896 war er mit der berühmten Sängerin N. I. Zabele verheiratet, deren Porträts er wiederholt malte.

N. A. Dmitrieva verglich Vrubels kreative Biografie mit einem Drama in drei Akten mit einem Prolog und einem Epilog, und der Übergang zu einer neuen Bühne erfolgte jedes Mal abrupt und unerwartet. Mit „Prolog“ sind die ersten Jahre des Lernens und der Berufungswahl gemeint. Erster Akt - die 1880er Jahre, Aufenthalt an der Akademie der Künste und Umzug nach Kiew, Ausübung der byzantinischen Kunst und Kirchenmalerei. Der zweite Akt ist die Moskauer Periode, die 1890 mit dem Demon Sitting begann und 1902 mit dem Demon Downed und der Hospitalisierung des Künstlers endete. Akt Drei: 1903-1906, verbunden mit psychischen Erkrankungen, die allmählich die physischen und intellektuellen Kräfte des Malers unterminierten. In den letzten vier Jahren hat Vrubel, nachdem er erblindet war, nur physisch gelebt.

In den 1880-1890er Jahren fanden die kreativen Suchen von Vrubel keine Unterstützung bei der Akademie der Künste und Kunstkritikern, aber S. I. Mamontov wurde sein Stammkunde. Künstler und Kritiker machten sich Vrubel zu eigen, der sich später in der Zeitschrift World of Art versammelte. Seine Arbeiten wurden ständig auf den Ausstellungen der Moskauer Künstler und in Diaghilevs Retrospektiven ausgestellt, und zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde die Vrubel-Malerei ein organischer Bestandteil der russischen Moderne. "Für Ruhm im künstlerischen Bereich" Am 28. November 1905 wurde ihm der Titel eines Akademikers der Malerei verliehen - gerade rechtzeitig, als die künstlerische Tätigkeit vollständig eingestellt wurde.

"The Demon Sitting" (1890) - ein Bild des russischen Künstlers Michail Wrubel.

Grant Wood, amerikanische Gotik

Грант Вуд, «Американская готика»

Grant Devolson Wood (englisch Grant DeVolson Wood; 13. Februar 1891 - 12. Februar 1942) ist ein US-amerikanischer Künstler, der vor allem für Gemälde zum ländlichen Leben im amerikanischen Mittelwesten bekannt ist. Der Autor des berühmten Gemäldes "American Gothic"

"American Gothic" (engl. American Gothic) ist ein 1930 entstandenes Gemälde des amerikanischen Künstlers Grant Wood. Eines der bekanntesten (und parodiertesten) Bilder der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts.

Rene Magritte, der Sohn des Menschen

Рене Магритт, «Сын человеческий»

Rene Francois Gilen Magritte (französisch René François Ghislain Magritte; 21. November 1898, Lessin - 15. August 1967, Brüssel) ist ein belgischer surrealistischer Künstler. Bekannt als Autor von witzigen und zugleich poetisch mysteriösen Gemälden.

„Der Menschensohn“ (französisch: Le fils de l'homme) ist ein Gemälde des belgischen Surrealisten Rene Magritte. Vielleicht das berühmteste seiner Werke.

Salvador Dali, "Beharrlichkeit der Erinnerung"

Сальвадор Дали, «Постоянство памяти»

Salvador Dali (vollständiger Name Salvador Domenech Felip Jacinto Dali und Domenech, Marquis de Dali de Poubol, Cat.Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, Marqués de Dalí de Púbol, spanischer Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí dalí de Domée Púbol, 11. Mai 1904, Figueres - 23. Januar 1989, Figueres) - spanischer Maler, Grafiker, Bildhauer, Regisseur und Schriftsteller. Einer der bekanntesten Vertreter des Surrealismus.

Er arbeitete an den Filmen: "Andalusian Dog", "Golden Age" (Regisseur - Luis Bunuel), "Spellbound" (Regisseur - Alfred Hitchcock). Der Autor der Bücher "Das geheime Leben von Salvador Dali, von sich erzählt" (1942), "Das Tagebuch eines Genies" (1952-1963), Oui: Die paranoid-kritische Revolution (1927-33) und der Aufsatz "Der tragische Mythos von Angelus Millet".

"Persistenz der Erinnerung" (spanisch: La persistencia de la memoria, 1931) ist eines der bekanntesten Gemälde des Künstlers Salvador Dali. Befindet sich seit 1934 im Museum of Modern Art in New York.

Auch bekannt als "Soft Clock", "Hardness of Memory" oder "Persistence of Memory" oder "The Flow of Time" oder "Time".

Dieses kleine Bild (24 × 33 cm) ist wahrscheinlich Dalis berühmtestes Werk. Die Weichheit von hängenden und fließenden Uhren ist ein Bild, das eine Abweichung von einem linearen Zeitverständnis zum Ausdruck bringt. Hier ist Dali selbst in Form eines schlafenden Kopfes anwesend, der bereits in The Mourning Game und anderen Gemälden zu sehen ist. Nach seiner Methode erklärte der Künstler den Ursprung der Handlung, indem er über die Natur des Camembert-Käses nachdachte. Die Landschaft von Port Ligat war bereits fertig, so dass es nur zwei Stunden dauerte, ein Bild zu malen. Als sie von dem Film zurückkam, in den sie an diesem Abend gegangen war, sagte Gala zu Recht voraus, dass niemand ihn jemals vergessen würde, wenn sie "Memory Constancy" sahen. Das Malen könnte anscheinend durch die Assoziationen erleichtert worden sein, die Dali hatte, als er Frischkäse sah (dies wird durch seine Aussage angezeigt).

Ivan Aivazovsky, Die neunte Welle

Иван Айвазовский, «Девятый вал»

Ivan Konstantinovich Aivazovsky (armenisch Հովհաննես Հովհաննես, Hovhannes Ayvazyan; 17. Juli 1817, Feodosia, Tauride Province, russisches Reich - 19. April [2. Mai] 1900, Feodosia, Tauride Province, russisches Reich) - russischer Künstler, Künstler Sammler, Philanthrop. Maler des Hauptquartiers der Marine, Akademiemitglied und Ehrenmitglied der Kaiserlichen Akademie der Künste, Ehrenmitglied der Akademie der Schönen Künste in Amsterdam, Rom, Paris, Florenz und Stuttgart.

Der bedeutendste armenische Künstler des 19. Jahrhunderts. Bruder des armenischen Historikers und Erzbischof der armenisch-apostolischen Kirche Gabriel Aivazovsky.

"Die neunte Welle" - eines der bekanntesten Gemälde des russischen Malers und Marinemalers armenischer Herkunft Ivan Aivazovsky, wird im Russischen Museum aufbewahrt (Inv. Zh-2202).

Der Maler zeigt das Meer nach einem sehr starken Nachtsturm und Schiffbrüchigen. Die Sonnenstrahlen beleuchten die riesigen Wellen. Der größte von ihnen - der neunte Schacht - ist bereit, auf Menschen zu stoßen, die versuchen, auf den Trümmern des Mastes zu fliehen.

Obwohl das Schiff zerstört wurde und nur der Mast übrig blieb, leben die Menschen am Mast und kämpfen weiter mit den Elementen. Die warmen Farben des Bildes machen das Meer nicht so rau und geben dem Betrachter Hoffnung, dass die Menschen gerettet werden.

Die Größe des Gemäldes beträgt 221 × 332 cm. Unten am Mast, Unterschrift und Datum: Ayvazovskiy 1850; in der rechten unteren Ecke in rot: 5; auf der Rückseite in schwarz: Nr. 2506. Das Gemälde kam 1897 aus der Eremitage ins Russische Museum.

Peter Brueghel, Der Turm zu Babel

Питер Брейгель, «Вавилонская башня»

Peter Bruegel der Ältere (niederländisch: Pieter Bruegel de Oude [ˈpitər ˈbrøːɣəl]; um 1525 - 9. September 1569, Brüssel), auch bekannt unter dem Spitznamen Muzhitsky, ist der niederländische Maler und Grafiker, der bekannteste und bedeutendste der Künstler, die diesen Namen trugen. Meister der Landschafts- und Genreszenen. Der Vater der Künstler Peter Brueghel der Jüngere ("Hölle") und Jan Brueghel der Ältere ("Paradies").

Der Turm von Babel (Holländer: De Toren van Babel) ist ein berühmtes Gemälde von Peter Brueghel. Der Künstler schuf mindestens zwei Werke zu dieser Handlung.

Leonardo da Vinci, das letzte Abendmahl

Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря»

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Italienisch: Leonardo di Ser Piero da Vinci; 15. April 1452, Dorf Ankiano, nahe der Stadt Vinci, nahe Florenz - 2. Mai 1519, Chateau de Luce, nahe Amboise, Touraine, Frankreich) - Italienischer Künstler ( Maler, Bildhauer, Architekt) und Wissenschaftler (Anatom, Naturforscher), Erfinder, Schriftsteller, Musiker, einer der größten Vertreter der Kunst der Hochrenaissance, ein anschauliches Beispiel für den "universellen Menschen" (lat. homo universalis).

Das Abendmahl (italienisch: Il Cenacolo oder L'Ultima Cena) ist ein monumentales Gemälde von Leonardo da Vinci, das die Szene von Christi letztem Mahl mit seinen Jüngern zeigt. Erstellt in den Jahren 1495-1498 im Dominikanerkloster Santa Maria delle Grazie in Mailand.

Eduard Manet, „Die Bar im Foley Berger“

Эдуард Мане, «Бар в “Фоли-Бержер”»

Eduard (Edouard) Manet (fr. Édouard Manet [edwaʁ manʁ]; 23. Januar 1832, Paris - 30. April 1883, Paris) - französischer Maler, Kupferstecher, einer der Begründer des Impressionismus.

"Bar im Foley Berger" (Fr. Un bar aux Folies Bergère) - Gemälde von Edouard Manet. Derzeit befindet sich in der Courto Gallery in London.

Foley-Berger - Varieté und Kabarett in Paris. Es befindet sich in der Richet Street 32. Ende des 19. Jahrhunderts war dieses Haus sehr beliebt. Manet besuchte oft die Foley-Berger und malte schließlich dieses Gemälde - das letzte, das er vor seinem Tod 1883 im Pariser Salon präsentierte.

Manet fertigte Skizzen für das Bild direkt in der Bar an, die sich im Erdgeschoss der Varieté-Show rechts von der Bühne befindet. Dann bat er die Bardame Suzon (P. Suzon) und seinen Freund, einen Kampfkünstler Henri Dupray (P. Henri Dupray), in der Werkstatt zu posieren. Zunächst sollte die Grundlage der Komposition der Bardame und der Klientin gegenübergestellt werden, die sich leidenschaftlich für das Gespräch interessieren. Dies belegen nicht nur erhaltene Skizzen, sondern auch Röntgenbilder des Bildes. Mane beschloss später, die Szene aussagekräftiger zu machen. Im Hintergrund sehen Sie einen Spiegel, der eine große Anzahl von Personen reflektiert, die den Raum füllen. Gegenüber dieser Menschenmenge steht hinter der Theke eine Bardame, die in ihren eigenen Gedanken versunken ist. Mana hat es geschafft, ein Gefühl der unglaublichen Einsamkeit inmitten einer Menschenmenge zu vermitteln, die trinkt, isst, redet und raucht, während sie einen Akrobaten auf einem Trapez beobachtet, der in der oberen linken Ecke des Bildes zu sehen ist.

Wenn Sie sich die Flaschen ansehen, die auf der Marmorleiste der Leiste stehen, werden Sie feststellen, dass ihr Spiegelbild nicht dem Original entspricht. Reflexion der Bardame ist auch unrealistisch. Sie sieht den Betrachter direkt an, während sie im Spiegel den Mann ansieht. All diese Inkonsistenzen lassen den Betrachter darüber nachdenken, ob Mane die reale oder die imaginäre Welt darstellt.

Der Spiegel, der die abgebildeten Figuren widerspiegelt, macht die „Bar at the Foley Berger“ zu einer Anlehnung an die „Menins“ von Velazquez und das „Portrait des Arnolfini-Paares“ von van Eyck.

Edgar Degas, Blaue Tänzer

Эдгар Дега, «Голубые танцовщицы»

Hilaire-Germain-Edgar de Ga oder Edgar Degas (fr. Edgar Degas; 19. Juli 1834, Paris - 27. September 1917) - französischer Maler, einer der bekanntesten und originellsten Vertreter der impressionistischen Bewegung.

"Blue Dancers" (französischer Danseuses Bleues) ist ein Pastell des französischen Impressionisten Edgar Degas aus dem Jahr 1897. Es befindet sich im Staatlichen Museum der Schönen Künste A. Puschkin in Moskau, das 1948 in das Staatliche Museum für Neue Westliche Kunst aufgenommen wurde. Bis 1918 befand er sich in der Sammlung von Sergei Iwanowitsch Schukin in Moskau. Nach seiner Entstehung lagerte das Pastell in der Sammlung von Duran-Ruel in Paris.

Die Zeichnung wurde in Pastell auf 65 × 65 cm großem Papier ausgeführt.

Rembrandt, Nachtwache

Рембрандт, «Ночной дозор»

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Niederländisch Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1606–1669) - Niederländischer Maler, Kupferstecher, großer Meister der Hell-Dunkel-Malerei, der größte Vertreter des goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei. Es gelang ihm, die gesamte Bandbreite menschlicher Erfahrungen in seinen Werken mit einem emotionalen Reichtum darzustellen, den die bildenden Künste vor ihm nicht kannten. Rembrandts Arbeiten, die in ihrer Genrezugehörigkeit äußerst vielfältig sind, eröffnen dem Betrachter die zeitlose geistige Welt menschlicher Emotionen und Gefühle.

"Night Watch" (Niederländisch: Nachtwacht) - der Name, unter dem Rembrandts Gruppenporträt "Die Aufführung der Büchsenkompanie von Kapitän Frans Bunning Coc und Leutnant Willem van Reutenburg", traditionell bekannt, 1642 geschrieben wurde.

Edward Munch, Der Schrei

Эдвард Мунк, «Крик»

Edward Munch (Norweger. Edvard Munch; 12. Dezember 1863, Löthen, Hedmark - 23. Januar 1944, Ekel, bei Oslo) - Norwegischer Maler und Grafiker, einer der ersten Vertreter des Expressionismus, dessen bekanntestes Bild das Gemälde „Scream“ war. Seine Arbeit ist geprägt von Todesmotiven, Einsamkeit und gleichzeitig von Lebensdurst.

"Scream" (Nor. Skrik) - entstand zwischen 1893 und 1910, eine Gemäldeserie des norwegischen Expressionisten Edward Munch. Sie zeigen eine menschliche Figur, die verzweifelt vor einem blutroten Himmel und einem stark verallgemeinerten Landschaftshintergrund schreit. 1895 schuf Munch eine Lithographie zum gleichen Thema.

"Scream" als Sinnbild des Expressionismus dient als eine Art Auftakt für die Kunst des 20. Jahrhunderts und lässt die für die Moderne entscheidenden Themen Einsamkeit, Verzweiflung und Entfremdung erkennen. Als würde er in das kommende Jahrhundert der Weltkriege, Revolutionen und Umweltkatastrophen blicken, scheint der Autor die Möglichkeit einer Überwindung oder Transzendenz zu leugnen.

Jacques-Louis David, Der Tod von Marat

Жак-Луи Давид, «Смерть Марата»

Jacques-Louis David (Fr. Jacques-Louis David; 30. August 1748, Paris - 29. Dezember 1825, Brüssel) - französischer Maler und Lehrer, ein bedeutender Vertreter des französischen Neoklassizismus in der Malerei.

"Der Tod von Marat" (Französisch: La Mort de Marat) - ein Gemälde des französischen Künstlers Jacques Louis David, ist eines der berühmtesten Gemälde, das der Großen Französischen Revolution gewidmet ist.

Das Bild erzählt vom Schicksal von Jean Paul Marat, dem Journalisten der radikalen Zeitung "Friend of the People", dem Führer der Jakobiner. Marat war einer der leidenschaftlichsten Anhänger des jakobinischen Terrors. Marat hatte eine Hautkrankheit und verließ das Haus nicht. Um sein Leiden zu lindern, nahm er ein Bad. Am 13. Juli 1793 wurde er in seiner Wohnung von der Adligen Charlotte Corde mit einem Messer erstochen.

Die Inschrift auf dem Holzsockel ist die Widmung des Autors: "MARATU, David." In Marats Hand befindet sich eine Broschüre mit dem Text: „13. Juli 1793, Marie Anna Charlotte Corde, Bürgerin von Marat. Ich bin unglücklich und daher habe ich das Recht auf Ihre Verteidigung. " Tatsächlich gelang es Marat nicht, diese Nachricht zu erhalten - Korde hatte ihn zuvor getötet. Obwohl viele Forscher behaupten, dass die Episode mit der Notiz vollständig vom Künstler erfunden wurde, um das Drama weiter zu betonen. Seine Haltung und Wunde direkt unter dem Schlüsselbein ähnelt dem Bild von Jesus zum Zeitpunkt der Entfernung vom Kreuz. Der chaotische und chaotische Mord wird vom Künstler sorgfältig bearbeitet und ist wie ein Märtyrertod. Die Position der rechten Hand ähnelt der Figur Jesu im Gemälde „Begräbnis Christi“ (manchmal „Die Position im Grab“) von Caravaggio.

Das Gemälde war sehr beliebt, es gibt mehrere Wiederholungen der Autoren und Künstler seiner Schule ("Tod von Marat. Um 1793. Davids Werkstatt. Museum der Schönen Künste in Reims", "Tod von Marat. Um 1793. Davids Werkstatt. Museum der Schönen Künste in Dijon", Jean Paul Marat, der am 13. Juli 1793 im Bad getötet wurde. 19. Jahrhundert J.-M. Langlois nach dem Befehl von David (Versailles).

Er schätzte das Gemälde von Baudelaire nach seiner Definition, Marat, "ist vor uns eine Tragödie voller lebhafter Schmerzen und Entsetzen." „Das Bild hat etwas Zartes und Schmerzhaftes; In dem kalten Raum dieses Raumes, zwischen diesen kalten Wänden, schwebt eine Seele über einem kalten, finsteren Bad. “

Derzeit befindet sich das Gemälde in Brüssel in der Sammlung des Königlichen Museums der Schönen Künste.

Vincent Van Gogh, Sternennacht

Винсент Ван Гог, «Звездная ночь»

Vincent Willem Van Gogh (niederländisch: Vincent Willem van Gogh; 30. März 1853, Grot-Sundert, Niederlande - 29. Juli 1890, Over-sur-Oise, Frankreich) ist ein niederländischer Postimpressionist, dessen Werk einen zeitlosen Einfluss auf die Malerei des 20. Jahrhunderts hatte. Seit zehn Jahren hat er mehr als 2100 Werke geschaffen, darunter etwa 860 Ölgemälde. Darunter Porträts, Selbstporträts, Landschaften und Stillleben mit dem Bild von Olivenbäumen, Zypressen, Weizenfeldern und Sonnenblumen. Die meisten Kritiker bemerkten Van Gogh erst nach seinem Selbstmord im Alter von 37 Jahren, dem jahrelange Angstzustände, Armut und psychische Störungen vorausgingen.

Sternennacht (Niederländisch: De sterrennacht) ist eines der bekanntesten Gemälde des niederländischen Postimpressionisten Vincent Van Gogh. Bietet einen Blick aus dem Ostfenster von Van Goghs Schlafzimmer in Saint-Remy-de-Provence auf den Himmel vor dem Morgengrauen und ein fiktives Dorf. Das Gemälde wurde im Juni 1889 gemalt; Seit 1941 im Museum of Modern Art in New York aufbewahrt.

Victor Vasnetsov, "Die Helden"

Виктор Васнецов, «Богатыри»

Viktor Mikhailovich Vasnetsov (3. Mai 1848, Dorf Lopyal, Provinz Vyatka - 23. Juli 1926, Moskau) - russischer Maler und Architekt, Meister der historischen und Volksmalerei. Der jüngere Bruder ist der Künstler Apollinariy Vasnetsov.

"Athleten" - ein Bild von Viktor Vasnetsov. Vasnetsov hat ungefähr zwanzig Jahre an dem Bild gearbeitet. Am 23. April 1898 wurde es fertiggestellt und bald von P. M. Tretyakov für seine Galerie gekauft. Inv. 1019.

Jackson Pollock, "Nr. 5"

Джексон Поллок, «№ 5»

Paul Jackson Pollock (Eng. Paul Jackson Pollock; 28. Januar 1912 - 11. August 1956) ist ein US-amerikanischer Künstler, Ideologe und Führer des abstrakten Expressionismus, der die Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts maßgeblich beeinflusste.

"No. 5, 1948" - ein Gemälde von Jackson Pollock, fertiggestellt 1948. Eines der bekanntesten Werke im Stil des abstrakten Expressionismus.

Es wird in der für Pollock typischen Sprühtechnik hergestellt. Ein nicht objektives Gemälde mit einer Größe von 243,8 × 121,9 cm, das auf eine Faserplatte (Holzfaserplatte) geschrieben wurde. Verwendet werden hauptsächlich graue, braune, weiße und gelbe Farben.

Sandro Botticelli, Die Geburt der Venus

Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры»

Sandro Botticelli (Italiener: Sandro Botticelli, bürgerlicher Name Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Italiener: Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi; 1. März 1445 - 17. Mai 1510)) - Italienischer Renaissance-Maler, Vertreter der florentinischen Malschule.

"Die Geburt der Venus" (italienisch: Nascita di Venere) - ein Bild des italienischen Künstlers der toskanischen Schule Sandro Botticelli. Es handelt sich um ein Temperagemälde auf Leinwand (172,5 × 278,5 cm), das derzeit in den Uffizien in Florenz aufbewahrt wird.

Andrei Rublev, "Dreifaltigkeit"

Андрей Рублев, «Троица»

Andrei Rublev (ca. 1360 - 17. Oktober 1428, Moskau) ist der bekannteste und angesehenste russische Ikonenmaler der Moskauer Schule für Ikonenmalerei, Buch- und Monumentalmalerei des 15. Jahrhunderts. Von der russisch-orthodoxen Kirche unter dem Deckmantel der Heiligen kanonisiert.

"Dreifaltigkeit" (auch "Die Gastfreundschaft Abrahams") ist eine Ikone der Heiligen Dreifaltigkeit, die Andrei Rublev im 15. Jahrhundert gemalt hat, das berühmteste seiner Werke und eines von zwei Werken, die ihm zugeschrieben werden (einschließlich Fresken in Wladimir), deren Urheberschaft nach Ansicht von Wissenschaftlern zuverlässig ist gehört ihm. Es ist eine der bekanntesten russischen Ikonen.

Vasily Vereshchagin, "Die Apotheose des Krieges"

Василий Верещагин, «Апофеоз войны»

Wassili Wassiljewitsch Wereschtschagin (1842-1904) - Russischer Maler und Schriftsteller, einer der berühmtesten Kampfmaler.

"Die Apotheose des Krieges" - ein Bild des russischen Künstlers Vasily Vasilyevich Vereshchagin. Die Inschrift befindet sich auf dem Rahmen: "Allen großen Eroberern gewidmet - Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft."

Jan Vermeer, „Mädchen mit einem Perlenohrring“

Ян Вермеер, «Девушка с жемчужной сережкой»

Jan Vermeer (Vermeer Delft, Niederländisch. Jan Vermeer van Delft oder Niederländisch. Johannes Vermeer van Delft, IPA: [ˈjˈn vərəmeˈr]; 1632-1675) - Niederländischer Maler, Meister der Haushaltsmalerei und Genreporträtmalerei. Einer der talentiertesten (zusammen mit de Hoch) Anhänger von Terborch. Das Werk von Rembrandt, Hals und Vermeer gilt als Höhepunkt der niederländischen Kunst des Goldenen Zeitalters.

In der russischen Kunsttradition ist die gebräuchlichste Schreibweise des Künstlernamens Vermeer Delftsky. Weitere Optionen sind Johannis van der Mer, Johannis ver Mer und Wermer Delft. Gemäß den niederländischen Transkriptionsregeln wird die Kombination ee als e übertragen.

„Mädchen mit dem Perlenohrring“ (Niederländisch: Het meisje met de parel) ist eines der bekanntesten Gemälde des niederländischen Künstlers Jan Vermeer. Sie wird oft die nördliche oder niederländische Mona Lisa genannt.

Das Gemälde ist von IVMeer signiert, aber nicht datiert. Nach Angaben des Mauritshuis-Museums, in dem das Gemälde derzeit aufbewahrt wird, wurde es um 1665 gemalt. Über sie ist sehr wenig bekannt. Es ist nicht bekannt, ob Vermeer es auf Bestellung schrieb, wer in diesem Fall der Kunde und der Name des abgebildeten Mädchens war. Einer Version zufolge porträtierte der Künstler seine eigene Tochter Maria. Auf jeden Fall ist es offensichtlich, dass dies ein ungewöhnliches Porträt ist. Die Künstlerin versuchte den Moment einzufangen, in dem das Mädchen den Kopf in Richtung des Betrachters zu jemandem dreht, den sie gerade bemerkt hat. Entsprechend dem Namen richtet sich die Aufmerksamkeit des Betrachters auf einen Perlenohrring im Ohr des Mädchens. Derzeit bezweifeln einige Forscher, dass das Bild einen Perlenohrring zeigt. Für Naturperlen ist die Größe zu groß, es können Kunstperlen aus venezianischem Glas oder Perlmutt sein. Außerdem sieht man nicht die Schlaufe oder den Anhänger, bei dem die "Perle" am Ohr befestigt ist. Das hellweiße Highlight an der Oberseite der „Kätzchen“ kann eine Deformation während einer der Restaurierungen des Gemäldes sein.

In modernen Beschreibungen von Vermeer wird das Bild dem Genre zugeordnet, das im 17. Jahrhundert Holland-Throne genannt wurde, die Bilder des menschlichen Kopfes und keine vollwertigen Porträts bezeichneten. Bei der Restaurierung des Gemäldes im Jahr 1994 konnte die Anmut der Farbgebung und die Attraktivität des auf den Betrachter gerichteten Blicks des Mädchens betont werden. Auf Anraten von Victor de Stur, der jahrelang hartnäckig darum kämpfte, seine seltenen Gemälde in der Heimat des Künstlers zu erhalten, erwarb A. A. des Tombé das Gemälde 1881 auf einer Auktion in Den Haag für nur zwei Gulden und dreißig Cent. Das Bild war in einem bedauernswerten Zustand. Des Tombé hatte keine Erben, und 1902 schenkte er dem Mauritshuis-Museum das „Mädchen mit dem Perlenohrring“ zusammen mit mehreren anderen Gemälden.

1937 erschien ein sehr ähnliches Bild, das auch Vermeer zugeschrieben wurde. Der Sammler Andrew W. Mellon übertrug es an die National Gallery of Art in Washington. Jetzt gilt es als Fälschung unter Vermeer, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts vom Kopisten Theo van Weingarden, einem Freund von Khan van Megeren, verfasst wurde.

Katsushika Hokusai, "Die große Welle in Kanagawa"

Кацусика Хокусай, «Большая волна в Канагаве»

Katsushika Hokusai (japanisch 葛 葛 北 北); 21. Oktober 1760, Edo - 10. Mai 1849, ebenda) - ein bekannter japanischer Künstler ukiyo-e, Illustrator, Kupferstecher der Edo-Zeit. Er arbeitete unter vielen Decknamen. Er ist einer der bekanntesten japanischen Kupferstecher im Westen, ein Meister der letzten Periode des japanischen Holzschnitts.

Hokusai benutzte sein ganzes Leben lang mindestens dreißig Pseudonyme. Trotz der Tatsache, dass die Verwendung von Pseudonymen unter japanischen Künstlern zu dieser Zeit weit verbreitet war, ist sie anderen bekannten Autoren in Bezug auf die Anzahl der Pseudonyme deutlich überlegen. Hokusais Pseudonyme werden oft verwendet, um die Phasen seiner Arbeit zu periodisieren.

"Die große Welle in Kanagawa" (神奈川 神奈川 沖浪 Kanagawa-oki nami Hurra) - Holzschnitt des japanischen Künstlers Katsushiki Hokusai. Die erste Arbeit aus der Serie "Sechsunddreißig Ansichten von Fuji". Das Gemälde ist im Stil von Ukiyo-e gemacht. Es gilt als eines der bekanntesten und beliebtesten Werke der japanischen bildenden Kunst außerhalb Japans. Einige glauben, dass diese Gravur im Westen besser bekannt ist als jedes andere Werk asiatischer Kunst im Allgemeinen.

In der Mitte des Grundstücks, im Vordergrund, hängt eine riesige Welle über dem Boot; Der Fujisan in der Mitte des Hintergrunds. Die Aktion findet in der Präfektur Kanagawa statt.

Karl Bryullov, "Der letzte Tag von Pompeji"

Карл Брюллов, «Последний день Помпеи»

Karl Pavlovich Bryullov (Bryulov) (bis 1822 - Bryullo; 12. Dezember 1799, St. Petersburg, Russland - 11. Juni 1852, Manziana, Papal Region) - russischer Künstler, Maler, Monumentalist, Aquarellist, Vertreter des Klassizismus und der Romantik.

"Der letzte Tag von Pompeji" ist ein großformatiges Gemälde des russischen Künstlers Karl Bryullov (1799-1852), dessen Arbeiten 1833 abgeschlossen wurden. Es befindet sich im Staatlichen Russischen Museum in St. Petersburg (Inv. Zh-5084). Größe - 456,5 × 651 cm Das Bild zeigt die Ereignisse in Pompeji [K 1] während des katastrophalen Ausbruchs des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr.

Karl Bryullov besuchte die Ausgrabungen von Pompeji im Sommer 1827 während seiner Reise nach Neapel, wo er auf die Idee kam, eine große Leinwand zu schreiben, die dem Tod Pompejis gewidmet war. Der Kunde der Leinwand war Prinz Anatoly Demidov. Im Allgemeinen dauerte die Arbeit an dem Gemälde ungefähr sechs Jahre - von 1827, als Bryullov die ersten Skizzen und Skizzen schuf, bis 1833. Die endgültige Version der großen mehrfigurigen Leinwand wurde in den Jahren 1830-1833 erstellt.

Nach Fertigstellung des Gemäldes zeigte Karl Bryullov es in seiner Werkstatt in Rom. Die Popularität des Letzten Tages von Pompeji und seines Autors nahm rapide zu: Der Schriftsteller Nikolai Rozhalin berichtete, dass in Rom "der wichtigste Vorfall die Ausstellung von Bryullovs Gemälde in seinem Atelier war", "die ganze Stadt strömte, um sie zu bestaunen." Von Rom aus wurde die Leinwand nach Mailand transportiert und dort auf der Mailänder Kunstausstellung von 1833 ausgestellt. Inspiriert durch den Erfolg des Gemäldes in Italien gelang es seinem Besitzer Anatoly Demidov, die Kreation in die Ausstellung des Pariser Salons aufzunehmen, der im März 1834 eröffnet wurde und in dem Bryullovs Werk eine große Goldmedaille erhielt.

Im Sommer 1834 wurde das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ von Frankreich nach St. Petersburg geschickt, wo Demidov es Kaiser Nikolaus I. überreichte. Im August 1834 wurde das Gemälde in die Eremitage gebracht und Ende September desselben Jahres wurde die Leinwand in einen separaten Saal der Akademie verlegt Kunst für alle zu sehen. Das Gemälde war ein großer Erfolg, der Dichter Alexander Puschkin widmete sein Gedicht „Vesuv der Rachen“ und der Schriftsteller Nikolai Gogol schrieb einen Artikel, in dem er „Der letzte Tag von Pompeji“ als eines der hellsten Phänomene des 19. Jahrhunderts und „die helle Auferstehung der Malerei, die seit langer Zeit in der Stadt war ein halbtrockener Zustand. “ 1851 betrat das Gemälde die Neue Eremitage und wurde 1897 in die Sammlung des zu dieser Zeit entstandenen Russischen Museums des Kaisers Alexander III. (Heute Russisches Landesmuseum) überführt.

Die Kunstkritikerin Alla Vereshchagina bemerkte, dass die Handlung des Gemäldes "Der letzte Tag von Pompeji" "in der Praxis der klassischen historischen Malerei unbekannt war." Der Künstler zeigte nicht die Heldentat eines Helden, sondern eine Naturkatastrophe, von der viele Menschen betroffen waren. Laut der Kunstkritikerin Svetlana Stepanova wurde Bryullovs Werk "nicht nur eine der nächsten Errungenschaften der nationalen Schule, sondern ein Phänomen, das die Entwicklung der Kunst beschleunigte".

James Whistler, „Arrangement in Grau und Schwarz. Mutter des Künstlers "

Джеймс Уистлер, «Аранжировка в сером и черном. Мать художника»

James Abbot McNeill Whistler (Englisch James Abbot McNeill Whistler, manchmal McNill, 11. Juli 1834, Lowell, Massachusetts, USA - 17. Juli 1903, London, UK) - US-amerikanischer Künstler, Meister der Porträtmalerei sowie Radierung und Lithografie. Einer der bekanntesten Tonalisten - der Vorläufer des Impressionismus und der Symbolik. Anhänger des Konzepts "Kunst für Kunst". Offizier der Ehrenlegion (1892).

Er studierte im Russischen Reich und in den USA, verbrachte aber den größten Teil seines aktiven Lebens in England. Am bekanntesten für Porträts seiner Zeitgenossen. Er wurde von Realisten in der Person seines Freundes Gustav Courbet und den Präraffaeliten sowie der japanischen Kunst beeinflusst. In einer Reihe von kreativen Methoden stand er dem Impressionismus nahe. Eines der bekanntesten Werke von Whistler ist ein Porträt seiner Mutter: „Arrangement in Grau und Schwarz. Die Mutter des Künstlers. " Er beeinflusste zwei Künstlergenerationen in Europa und den Vereinigten Staaten. Er war mit Dante Rossetti, Eduard Manet, Claude Monet, Aubrey Beardsley, den Dichtern Stefan Mallarm und Oscar Wilde befreundet.

"Arrangement in Grau und Schwarz, Nr. 1: Porträt der Mutter des Künstlers" (engl. Arrangement in Grau und Schwarz, Nr. 1: Porträt der Mutter des Künstlers; oft Whistlers Mutter genannt) ist das berühmteste Gemälde des amerikanischen Künstlers James Whistler aus dem Jahr 1871 Jahr. Das Gemälde zeigt Anna Whistler (1804–1881), die Mutter des Künstlers. Es befindet sich im Orsay Museum in Paris, Frankreich. Die Größe des Bildes beträgt 144,3 × 162,4 cm.

Claude Monet, „Eindruck. Die aufgehende Sonne

Клод Моне, «Впечатление. Восходящее солнце»

Oscar Claude Monet (französisch: Oscar-Claude Monet; 14. Februar 1840, Paris, Frankreich - 5. Dezember 1926, Giverny, Frankreich) - französischer Maler, einer der Begründer des Impressionismus.

„Eindruck. Die aufgehende Sonne “(Fr. Impression, Soleil Levant) - ein Bild von Claude Monet, das 1872 aus der Natur im alten Hafen von Le Havre gemalt wurde und den Namen der künstlerischen Richtung„ Impressionismus “trägt.

Die Leinwand wurde erstmals 1874 auf der Ausstellung im ehemaligen Atelier des Fotografen Nadar ausgestellt. Mit der leichten Hand des Journalisten Louis Leroy wurde der Name der Arbeit zum Namen der Regie, deren Vertreter an dieser Ausstellung teilnahmen. In seinem Artikel „Ausstellung der Impressionisten“ (1874, Le Charivari) schrieb Leroy: „Tapete, und sie hätten vollständiger ausgesehen als diese„ Impression “!“.

Die Leinwand wurde im Pariser Marmotte-Museum ausgestellt, von wo sie 1985 zusammen mit anderen Werken des Künstlers sowie Gemälden von Auguste Renoir und Berthe Morisot gestohlen wurde. Die Leinwand wurde erst fünf Jahre später entdeckt, 1991 nahm sie wieder ihren Platz in der Ausstellung ein.

Ilya Repin, "Binnenschifffahrtsunternehmen an der Wolga"

Илья Репин, «Бурлаки на Волге»

Ilya Efimovich Repin (russisch dore. Ilya Efimovich Rѣpin, 24. Juli [5. August] 1844, Chuguev, russisches Reich - 29. September 1930, Kuokkala, Finnland) - russischer Maler, Lehrer, Professor, ordentliches Mitglied der kaiserlichen Akademie der Künste.

Von Beginn seiner Karriere an, ab den 1870er Jahren, wurde Repin eine der Schlüsselfiguren des russischen Realismus. Der Künstler hat es geschafft, das Problem der Widerspiegelung der Vielfalt des umgebenden Lebens in einem Gemälde zu lösen. In seiner Arbeit hat er alle Aspekte der Moderne abgedeckt, Themen angesprochen, die das Publikum beschäftigten, und auf die Trotz des Tages lebhaft reagiert. Die Plastizität war charakteristisch für Repins künstlerische Sprache: Sie nahm verschiedene Stilrichtungen wahr, von den Spaniern und Holländern des 17. Jahrhunderts bis zu Alexander Ivanov und modernen französischen Impressionisten.

"Barge Haulers on the Volga" ist ein Gemälde der russischen Künstlerin Ilya Repin, das zwischen 1870 und 1873 entstand. Darstellung eines Artels von Binnenschiffen während der Arbeit.

Das Gemälde hat die Maße 131,5 × 281 cm und befindet sich im Russischen Museum in St. Petersburg.

Valentin Serov, "Mädchen mit Pfirsichen"

Валентин Серов, «Девочка с персиками»

Valentin Aleksandrovich Serov (7. Januar 1865, St. Petersburg - 22. November [5. Dezember] 1911, Moskau) - Russischer Maler und Grafiker, Porträtmeister, Akademiemitglied der Kaiserlichen Akademie der Künste.

"Mädchen mit Pfirsichen" - ein Gemälde des russischen Malers Valentin Serov aus dem Jahr 1887 befindet sich in der Staatlichen Tretjakow-Galerie.

Pablo Picasso, "Mädchen am Ball"

Пабло Пикассо, «Девочка на шаре»

Pablo Ruiz y Picasso, vollständiger Name - Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz und Picasso (die russische Version betont auch den französischen Stil Picasso, spanisch Pablo Die José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso; 25. Oktober 1881, Malaga, Spanien - 8. April 1973, Mougins, Frankreich) - spanischer und französischer Künstler, Bildhauer, Grafiker, Theaterkünstler, Keramiker und Designer.

Der Begründer des Kubismus (zusammen mit Georges Braque und Juan Gris), in dem der dreidimensionale Körper in der ursprünglichen Weise als eine Reihe von Ebenen dargestellt wurde. Picasso arbeitete viel als Grafiker, Bildhauer, Keramiker usw. Er erweckte viele Nachahmer zum Leben und prägte die Entwicklung der bildenden Kunst im 20. Jahrhundert außerordentlich. Nach Angaben des Museum of Modern Art (New York) hat Picasso in seinem Leben etwa 20.000 Werke geschaffen.

Nach Schätzungen von Experten ist Picasso der „teuerste“ Künstler der Welt: 2008 belief sich der offizielle Umsatz seiner Werke auf 262 Millionen US-Dollar. Picassos Gemälde "Algerian Women" (Französisch Les Femmes d'Algers), das im Frühjahr 2015 in New York für 179 Millionen US-Dollar verkauft wurde, wurde das teuerste Gemälde, das jemals versteigert wurde.

Laut einer 2009 von The Times durchgeführten Umfrage unter 1,4 Millionen Lesern ist Picasso der beste Künstler unter denen, die in den letzten 100 Jahren gelebt haben. Auch seine Leinwände belegen den ersten Platz in Bezug auf "Popularität" unter den Entführern.

"Mädchen am Ball" - ein Bild von Pablo Picasso, geschrieben 1905. Ein großes Werk aus der „rosa“ Zeit in der Arbeit des Künstlers.

Im Jahr 1913 wurde es in Paris von I. A. Morozov erworben. Das Gemälde wurde nach der Revolution verstaatlicht und landete im Staatlichen Museum für Neue Westliche Malerei (GMNZI), wo es nach seiner Auflösung im Jahr 1948 in die Sammlung des Staatlichen Kunstmuseums A. Puschkin überführt wurde.

Henri Matisse, "Tanz"

Анри Матисс, «Танец»

Henri Émile Benoît Matisse (französisch: Henri Émile Benoît Matisse; 31. Dezember 1869, Le Cato-Cambresi, Frankreich - 3. November 1954, Nizza, Frankreich) - französischer Künstler und Bildhauer, Führer der fauvistischen Bewegung. Bekannt für seine Forschung in der Vermittlung von Emotionen durch Farbe und Form.

“Dance” (Französisch: La Danse) - 1910 von einem französischen Künstler Henri Matisse geschaffen. Es gibt zwei Versionen: die erste befindet sich im Museum of Modern Art in New York, die zweite und die bekannteste befindet sich in der Eremitage in St. Petersburg.

Kasimir Malewitsch, „Weiß auf Weiß“

Казимир Малевич, «Белое на белом»

Kasimir Sewerinowitsch Malewitsch (polnisch: Kazimierz Malewicz; 11. Februar 1879, Kiew - 15. Mai 1935, Leningrad) - russischer und sowjetischer Avantgarde-Künstler polnischer Herkunft, Lehrer, Kunsttheoretiker, Philosoph. Der Begründer des Suprematismus - einer der größten Bereiche der abstrakten Kunst.

„Weiß auf Weiß“ („Weißes Quadrat“, „Weißes Quadrat auf weißem Hintergrund“) - ein Gemälde, das 1918 von Kasimir Malewitsch gemalt wurde, gehört zur Richtung der russischen nicht objektiven Malerei, die Malewitsch Suprematismus nannte. Das weiße Quadrat war eines der drei suprematistischen Quadrate von Malewitsch, die anderen beiden - schwarz und rot.

Michelangelo Buonarroti, Die Erschaffung Adams

Микеланджело Буонарроти, «Сотворение Адама»

Michelangelo Buonarroti, vollständiger Name Michelangelo von Leonardo von Buonarroti Simoni (italienisch: Michelangelo von Leonardo von Buonarroti Simoni; 6. März 1475, Caprese - 18. Februar 1564, Rom) [⇨] - italienischer Bildhauer, Künstler, Architekt [⇨] , Dichter [⇨] und Denker [⇨]. Einer der größten Meister der Renaissance [⇨] und des Frühbarocks. Seine Werke galten als die höchsten Errungenschaften der Kunst der Renaissance im Leben des Meisters. Michelangelo lebte fast 89 Jahre, eine ganze Ära, von der Zeit der Hochrenaissance bis zu den Ursprüngen der Gegenreformation. In dieser Zeit wurden dreizehn Päpste ersetzt - er führte Aufträge für neun von ihnen aus. Viele Dokumente über sein Leben und Werk sind erhalten geblieben - Zeitzeugnisse, Briefe von Michelangelo selbst, Verträge, seine persönlichen und beruflichen Aufzeichnungen. Michelangelo war auch der erste Vertreter der westeuropäischen Kunst, dessen Biographie zu Lebzeiten gedruckt wurde.

Zu seinen bekanntesten bildhauerischen Arbeiten zählen David, Bacchus, Pieta, Statuen von Moses, Lea und Rachel für das Grab von Papst Julius II. Giorgio Vasari, Michelangelos erster offizieller Biograf, schrieb, dass „David“ „allen modernen und alten Statuen, Griechen und Römern den Ruhm genommen hat.“ Eines der monumentalsten Werke des Künstlers sind die Fresken an der Decke der Sixtinischen Kapelle, über die Goethe schrieb: "Wenn man die Sixtinische Kapelle nicht gesehen hat, ist es schwer, sich vorzustellen, was eine Person tun kann." Zu seinen architektonischen Errungenschaften zählen das Projekt der Kuppel des Petersdoms, die Treppe der Laurenzianischen Bibliothek, der Campidoglio-Platz und andere. Forscher glauben, dass die Kunst von Michelangelo mit dem Bild des menschlichen Körpers beginnt und endet.

Die Erschaffung Adams (italienisch: La creazione di Adamo) ist ein Fresko von Michelangelo, das um 1511 gemalt wurde.

Caravaggio, "Die Enthauptung Johannes des Täufers"

Караваджо, «Обезглавливание Иоанна Крестителя»

Michelangelo Merisi da Caravaggio (italienisch: Michelangelo Merisi da Caravaggio; 29. ​​September 1571, Mailand - 18. Juli 1610, Porto Ercole [it]) - Italienischer Künstler, Reformator der europäischen Malerei des 17. Jahrhunderts, Begründer des Realismus in der Malerei, einer der größten Meister des Barock. Einer der ersten, der den Hell-Dunkel-Stil anwendet - einen scharfen Kontrast zwischen Licht und Schatten. Es wurde keine einzige Zeichnung oder Skizze gefunden, der Künstler realisierte sofort seine komplexen Kompositionen auf Leinwand.

"Die Enthauptung Johannes des Täufers" ist ein Gemälde des italienischen Künstlers Caravaggio aus dem Jahr 1608 in Malta. Das einzige Bild, das im Moment mit seiner Unterschrift bekannt ist.

Jean-Honore Fragonard, "Schaukel"

Жан-Оноре Фрагонар, «Качели»

Jean-Honore Fragonard (französisch: Jean-Honoré Fragonard; 5. April 1732, Grass - 22. August 1806, Paris) - französischer Maler und Kupferstecher. Er arbeitete im Rokokostil. Er schuf mehr als 550 Gemälde (ohne Zeichnungen und Drucke).

"Swing" - ein Bild des französischen Malers Jean Honore Fragonard, gemalt um 1767. Das berühmteste Werk des Künstlers, gilt als eines der Meisterwerke des Rokoko.

Das Bild zeigt einen jungen Mann, der hinter den Büschen eine junge Dame auf einer Schaukel beobachtet, die von einem älteren Mann geschaukelt wird, der keinen versteckten Fan bemerkt. In dem Moment, der auf dem Bild zu sehen ist, lässt das Mädchen die erfolgreiche Kavalierin oben auf dem Schaukelpfad in die Geheimnisse ihres Kleides blicken, obwohl diese Großzügigkeit dazu führt, dass der Schuh in die Statue des Harpokrates - des antiken griechischen Gottes der Stille und der Geheimnisse - fliegt. Shapo Berger (Hirtenhut) auf dem Kopf des Mädchens verstärkt die ironisch-leichtfertige Bedeutung des Bildes, da solche Hüte in jenen Tagen mit dem anmutigen Adel der Bewohner ländlicher Güter in Verbindung gebracht wurden, die mit der Natur vertraut und von den Versuchungen der Stadt unberührt waren.

Nach den Erinnerungen des Dramatikers Charles Colle ordnete der namenlose Hof von Ludwig XV. Dieses Gemälde Gabriel-François Doyen als Handlungsporträt seiner Geliebten und sich selbst an, und nach der ursprünglichen Idee sollte der Bischof die Schaukel schwingen. Doyen wagte es nicht, eine so leichtfertige Arbeit zu verrichten und übergab den Befehl an Fragonard, der das Bild malte und den Bischof jedoch durch einen Laien ersetzte.

Die Identität des ersten Eigentümers des Gemäldes bleibt unklar, obwohl vermutet wurde, dass es sich um Marie-François-David Boyu de Saint-Julien handeln könnte, besser bekannt als Baron de Saint-Julien (1713-1788). Der erste zuverlässige Eigentümer war der Steuereintreiber M.—F. Ménage de Pressigny, nach dessen Tod 1794 das Gemälde in den Besitz der französischen Revolutionsregierung überging. In der Folge könnte das Gemälde der Marquise de Racin de Saint-Mar gehört haben, und Charles de Morny wurde der nächste unbestrittene Besitzer. Nach dem Tod von de Morney im Jahr 1865 wurde das Gemälde bei einer Auktion in Paris von Richard Seymour-Conway, der vierten Marquise von Hartward, einem der Gründer der Wallace Assembly in London, gekauft, wo das Gemälde bis heute aufbewahrt wird.

Gustave Courbet, Verzweiflung. Selbstporträt »

Гюстав Курбе, «Отчаяние. Автопортрет»

Jean Desire Gustave Courbet (französisch: Jean Désiré Gustave Courbet; 10. Juni 1819, Ornant - 31. Dezember 1877, La Tour de Pels, Waadt, Schweiz) - französischer Maler, Landschaftsmaler, Genremaler und Porträtmaler. Es gilt als einer der Finalisten der Romantik und Begründer des Realismus in der Malerei. Einer der größten Künstler Frankreichs im 19. Jahrhundert, eine Schlüsselfigur des französischen Realismus.

Karl Bryullov, Die Reiterin

Карл Брюллов, «Всадница»

Karl Pavlovich Bryullov (Bryulov) (bis 1822 - Bryullo; 12. Dezember 1799, St. Petersburg, Russland - 11. Juni 1852, Manziana, päpstliches Gebiet) - russischer Künstler, Maler, Monumentalist, Aquarellist, Vertreter des Klassizismus und der Romantik.

"Die Reiterin" - ein Bild des russischen Künstlers Karl Bryullov, gemalt im Jahre 1832.

Pierre Auguste Renoir, Ruderer Frühstück

Пьер Огюст Ренуар, «Завтрак гребцов»

Pierre-Auguste Renoir (v. Pierre-Auguste Renoir; 25. Februar 1841, Limoges - 3. Dezember 1919, Cagnes-sur-Mer) - französischer Maler, Grafiker und Bildhauer, einer der wichtigsten Vertreter des Impressionismus. Bekannt vor allem als Meister des weltlichen Porträts, nicht ohne Sentimentalität. Renoir war der erste Impressionist, der unter den wohlhabenden Parisern Erfolg hatte. Mitte der 1880er Jahre Tatsächlich brach er mit dem Impressionismus ab und kehrte zur Linearität des Klassizismus und zum „Engismus“ zurück. Der Vater des berühmten Regisseurs Jean Renoir.

Das „Rowers 'Breakfast“ (französisches Frühstück, Le Déjeuner des Canotiers, englisches Mittagessen der Bootsfahrt) ist ein Gemälde des französischen Künstlers Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), das zwischen 1880 und 1881 entstanden ist.

Marc Chagall, "Über der Stadt"

Марк Шагал, «Над городом»

Mark Zakharovich (Moses Khatskelevich) Chagall (fr. Marc Chagall, Jiddisch מאַרק שאשאַגל; 6. oder 7. Juli 1887, Vitebsk, Provinz Vitebsk, Russisches Reich (heutige Region Vitebsk, Weißrussland) - 28. März 1985, Saint-Paul- de Vence, Provence, Frankreich) - russischer und französischer Künstler jüdischer Herkunft. Neben Grafik und Malerei beschäftigte er sich auch mit Szenografie und schrieb Gedichte auf Jiddisch. Einer der bekanntesten Vertreter der künstlerischen Avantgarde des 20. Jahrhunderts.

Peter Brueghel, flämische Sprichwörter

Питер Брейгель, «Фламандские пословицы»

Peter Brueghel (Jünger) (Holländer Pieter Bruegel de Jonge, MFA: [ˈpitˈr ˈbrøːɣəl]; 1564/65 Brüssel - 10. Oktober [Quelle nicht angegeben 757 Tage] 1636 Antwerpen, Spitzname „Hölle“) - Holländischer (flämischer) Maler.

Pablo Picasso, Guernica

Пабло Пикассо, «Герника»

Pablo Ruiz y Picasso, voller Name - Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz und Picasso (die russische Version betont auch den französischen Stil von Picasso, spanisch Pablo Die José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso; 25. Oktober 1881, Malaga, Spanien - 8. April 1973, Mougins, Frankreich) - spanischer und französischer Künstler, Bildhauer, Grafiker, Theaterkünstler, Keramiker und Designer.

"Gernika" (spanisch: Guernica) - ein Gemälde von Pablo Picasso, das im Mai 1937 im Auftrag der spanischen Regierung für den spanischen Pavillon auf der Weltausstellung in Paris gemalt wurde. Das Thema des kubistisch und schwarz-weiß ausgeführten Gemäldes ist das Bombardement von Guernica, das kurz zuvor stattgefunden hat, sowie der Schrecken der spanischen Aprilrevolution (1931) und des Bürgerkriegs in Spanien (1936-1939).

Nach der Ausstellung wurde die Leinwand in einer Reihe von Ländern ausgestellt (hauptsächlich in den USA). Picasso selbst sagte, dass er sie gerne im Prado-Museum sehen würde, aber erst nach der Wiederherstellung der Republik in Spanien. Das Gemälde wurde 1981 in Prado platziert und 1992 mit anderen Kunstwerken des 20. Jahrhunderts in das Reina Sofia Museum in Madrid transportiert, wo es noch heute aufbewahrt wird.

Gustav Klimt, Der Kuss

Густав Климт, «Поцелуй»

Gustav Klimt (deutsch: Gustav Klimt; 14. Juli 1862, Baumgarten, Österreichisches Reich - 6. Februar 1918, Wien, Österreich-Ungarn) - ein bekannter österreichischer Künstler, der Begründer des Jugendstils in der österreichischen Malerei. Das Hauptthema seiner Malerei war ein weiblicher Körper, und die meisten seiner Werke zeichnen sich durch völlige Erotik aus.

"Kiss" (deutsch: Der Kuß) ist ein Gemälde des österreichischen Künstlers Gustav Klimt, gemalt in den Jahren 1907-1908.

Peter Paul Rubens, "Die Entführung von Leucippus 'Töchtern"

Питер Пауль Рубенс, «Похищение дочерей Левкиппа»

Peter Paul Rubens (Niederländisch: Pieter Paul Rubens, MFA: [ˈpitər 'pʌul' rybə (n) s]; 28. Juni 1577, Siegen - 30. Mai 1640, Antwerpen) - Niederländischer (flämischer) Maler, einer der Gründer der Barockkunst, Diplomat Sammler. Rubens 'kreatives Erbe umfasst etwa 3.000 Gemälde, von denen ein bedeutender Teil in Zusammenarbeit mit Studenten und Kollegen entstanden ist, von denen Anthony van Dyck der größte war. Nach dem Katalog von M. Jaffe gibt es 1403 authentische Leinwände. Umfangreiche Rubens-Korrespondenz, hauptsächlich diplomatisch, ist erhalten geblieben. Er wurde von dem spanischen König Philipp IV. (1624) zur Adligen erhoben und vom englischen König Karl I. (1630) mit der Aufnahme des heraldischen Löwen in sein persönliches Wappen zum Ritter geschlagen. Mit dem Erwerb des Schlosses Steen in Eleutheit im Jahre 1635 erhielt Rubens den Herrentitel.

Rubens 'Werk ist eine organische Verschmelzung der Traditionen des Bruegel-Realismus mit den Errungenschaften der venezianischen Schule. Rubens spezialisierte sich auf religiöse Malerei (einschließlich Altarbilder), malte Gemälde zu mythologischen und allegorischen Themen, Porträts (er gab dieses Genre in den letzten Jahren seines Lebens auf), Landschaften und historische Leinwände und fertigte auch Skizzen für Gitter und Buchillustrationen an. Rubens war einer der letzten Künstler, der Holztafeln für Staffeleiarbeiten verwendete, auch für sehr große.

"Die Entführung der Leukippus-Töchter" ist ein Gemälde von Peter Paul Rubens.

Auf diesem Bild verwendete Rubens den Mythos der Brüder Dioscuri, der Söhne von Zeus und Leda, Castor und Pollux, die die Töchter von König Leucippus - Gilair und Phoebe - entführt hatten. In dieser Geschichte wurde Rubens von dem dramatischen Moment der Entführung mitgerissen, der reichhaltige Möglichkeiten für plastische Entscheidungen bietet.

Mit starken, muskulösen Armen fangen die jungen Männer nackte Frauen, um sie auf Pferde zu setzen. In Verzweiflung und Schrecken wenden die Töchter des Zaren ihre Augen dem Himmel zu, als suchten sie nach Erlösung von den Göttern. Kleine lustige Amoren hingen an den Hälsen der berittenen Pferde. Alle acht Figuren sind gekonnt in einen Kreis eingeschrieben, der sich wiederum wunderschön in einem fast quadratischen Feld befindet. Der niedrige Horizont ermöglicht es Ihnen, die komplexe, skurrile Silhouette der Gruppe deutlich zu lesen. Es baut auf den Kontrasten von Bewegungen und Farbflecken auf. Leichte, zarte Körper von nackten goldhaarigen Frauen werden gekonnt mit gebräunten, kräftigen Figuren von dunkel weisen Männern verglichen. Rote, goldene, weiße und dunkelgrüne Stoffe verstärken den dekorativen Effekt der Farbkomposition. Die scheinbare Komplexität der Gruppe soll den Eindruck von Spannung in der Situation erwecken, gleichzeitig aber die strengste logische Rücksichtnahme auf die Konstruktion. Die Körperkugel hat drei Stützpunkte, die im anstoßenden Fuß des Pferdes, am Anschlag des rechten Fußes des Dioskur und am Stützpunkt seines linken Fußes, der sozusagen von Leucippidas Hand abgestoßen wird, befestigt sind. Darüber hinaus befinden sich diese Drehpunkte in unterschiedlichem Abstand zum Betrachter und tragen so zur räumlichen Orientierung der Gruppe bei. Man kann die außergewöhnliche Begeisterung des großen Künstlers für das Finden verschiedener Blickwinkel spüren, die den Reichtum der plastischen Zustände des menschlichen Körpers offenbaren, in denen er kaum viele Rivalen haben kann. Die Bewegung im Verständnis von Rubens trägt sowohl einen emotionalen Impuls als auch eine situative oder Handlungsbedeutung. Aber in jedem Fall erwirbt es ausgehend von der Realität eine Art künstlerische Konventionalität, indem es den Gesetzen der künstlerischen Organisation von Formen im Flugzeug folgt. Rubens versuchte, den dekorativen Charakter der Komposition zu vermitteln und sich an der vielfältigen Schönheit der Linien und Formen in ihrer Verwebung, Durchdringung und Gegenüberstellung zu erfreuen. Rubens schenkte seinen tapferen und mutigen Helden die Schönheit einer gesunden Jugend, Geschicklichkeit, Kraft und einen brodelnden Durst nach Leben.

Paul Gauguin „Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir? "

Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»

Eugene Henri Paul Gauguin (v. Eugène Henri Paul Gauguin; 7. Juni 1848 - 8. Mai 1903) - französischer Maler, Bildhauer und Keramikkünstler und Grafiker. Er war neben Cezanne und Van Gogh der größte Vertreter des Postimpressionismus. In den frühen 1870er Jahren begann er als Amateur zu malen. Die frühe Phase der Kreativität ist mit Impressionismus verbunden. Seit 1880 Teilnahme an Ausstellungen der Impressionisten. Seit 1883 professioneller Künstler. Gauguins Werke fanden in seinem Leben keine Nachfrage, der Künstler war arm. Gauguins Gemälde „Wann ist die Hochzeit?“ Ist eines der teuersten Gemälde, das verkauft wird.

"Woher kommen wir?" Wer sind wir? Wohin gehen wir? ”(1897-1898; Fr. D'où venons nous? Que sommes nous? Où allons nous?) - eines der berühmtesten Gemälde von Paul Gauguin. Erstellt in Tahiti, befindet es sich derzeit im Museum of Fine Arts in Boston, Massachusetts, USA.

William Blake, der große Architekt

Уильям Блейк, «Великий архитектор»

William Blake (engl. William Blake; 28. November 1757, London - 12. August 1827, London) - englischer Dichter, Künstler und Kupferstecher. Blake ist zu seinen Lebzeiten kaum wiedererkannt worden und gilt heute als eine wichtige Figur in der Geschichte der Poesie und der bildenden Kunst der Romantik. Er hat sein ganzes Leben in London verbracht (mit Ausnahme von drei Jahren in Felfam).

Obwohl seine Zeitgenossen Blake für verrückt hielten, bemerkten spätere Kritiker seine Ausdruckskraft und die philosophische und mystische Tiefe seiner Arbeit. Seine Bilder und Gedichte wurden als romantisch oder als vorromantisch beschrieben. Blake war ein Anhänger der Bibel, aber ein Gegner der Church of England (sowie aller Formen der organisierten Religion) und wurde von den Idealen der französischen und amerikanischen Revolutionen beeinflusst. Obwohl er später von vielen dieser politischen Überzeugungen desillusioniert wurde, unterhielt er freundschaftliche Beziehungen zu dem politischen Aktivisten Thomas Payne; auch vom Philosophen Emanuel Swedenborg beeinflusst. Trotz aller Einflüsse ist Blakes Arbeit schwer eindeutig zu klassifizieren. Der Schriftsteller William Rossetti aus dem 19. Jahrhundert nannte ihn "den glorreichen Glanz" und "einen Mann, der weder von seinen Vorgängern erwartet, noch von seinen Zeitgenossen eingestuft oder durch berühmte oder mutmaßliche Nachfolger ersetzt wurde."

"The Ancient of Days" (engl. The Ancient of Days) - Stich des englischen Künstlers und Dichters William Blake.

Der Name des Werkes "The Ancient of Days" bedeutet im Englischen "The Ancient of Days" - dies ist einer der Namen (Beinamen) Gottes im Alten Testament, die im Buch des Propheten Daniel (auf Aramäisch: Atik Yomin) erwähnt werden.

Der zweite Name der Gravur ("The Great Architect") bezieht sich auf den Namen, der in der Freimaurerei als höchste Entität oder Gott (The Great Architect of the Universe) anerkannt ist.

Die Hauptfigur der Gravur ist Gott zum Zeitpunkt der Schöpfung. Blake gibt ihm den Namen Urizen (vom Wort Grund - Grund).

Tizian, "irdische Liebe und himmlische Liebe"

Тициан, «Любовь земная и Любовь небесная»

Tizian Vecellio (italienisch: Tiziano Vecellio, 1488/1490, Pieve di Cadore - 27. August 1576, Venedig) - italienischer Maler, der größte Vertreter der venezianischen Schule der Hoch- und Spätrenaissance. Der Name Tizian steht Künstlern der Renaissance wie Michelangelo, Leonardo da Vinci und Rafael in nichts nach. Tizian malte nach biblischen und mythologischen Motiven und wurde als Porträtmaler berühmt. Könige und Päpste, Kardinäle, Herzöge und Fürsten erteilten ihm Befehle. Tizian war noch nicht einmal dreißig Jahre alt, als er als bester Maler Venedigs anerkannt wurde.

Nach seinem Geburtsort (Pieve di Cadore in der Provinz Belluno, Venezianische Republik) wird er manchmal als da Cadore bezeichnet. auch als Tizian Divine bekannt.

"Himmlische Liebe und irdische Liebe" (italienisch: Amor sacro e Amor profano; um 1514) - Gemälde des Künstlers Tizian.

Giuseppe Arcimboldo, „Porträt von Kaiser Rudolf II. Im Bild von Vertumna“

Джузеппе Арчимбольдо, «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна»

Giuseppe Arcimboldo (italienisch: Giuseppe Arcimboldo; 1526 oder 1527, Mailand - 11. Juli 1593, ebenda) - italienischer Maler, Dekorateur, der gewöhnlich zu den Vertretern des Manierismus gezählt wird. In seiner Arbeit sahen einige Kritiker und Künstler des 20. Jahrhunderts Vorfreude auf den Surrealismus.

Giuseppe Arcimboldo wurde in die Familie eines Mailänder Künstlers geboren; Schon in jungen Jahren half er seinem Vater bei der Gestaltung von Kirchengemälden und spezialisierte sich auf die Ausführung von Skizzen von Wandteppichen und Buntglasfenstern. Nachdem er Berühmtheit und Autorität erlangt hatte, wurde er 1562 zum Hof ​​des Heiligen Römischen Kaisers Maximilian II. Nach Wien eingeladen und diente dann als sein Nachfolger Rudolf II. In Prag. Neben der Erfüllung der Aufgaben eines Hofmalers und Dekorateurs überwachte er den Erwerb von Kunstwerken, organisierte Feiertage und leitete Ingenieurarbeiten. Ungefähr zwei Dutzend Werke von Archimboldo aus dieser Zeit sind erhalten geblieben - offizielle Porträts und spezifische Gemälde, die in Form einer ungewöhnlichen Kombination von Gegenständen, Pflanzen und Tieren hergestellt wurden; vielleicht beeinflusste die vom Maler überwachte Hofkunstkamera die Originalität des Stils. Dieser Stil wurde von den Kaiser-Kunden gefördert und diente sogar als Vorbild. Kaiser Rudolf II. Gewährte 1580 Archimboldo den Adel. Nachdem er etwa 25 Jahre am habsburgischen Hof gedient hatte, trat der Künstler 1587 in den Ruhestand und kehrte nach Mailand zurück, schuf aber weiterhin Werke in seinem gewählten Stil, die er nach Prag sandte. Für "Porträt Rudolfs II. Nach dem Bild der Säule" wurde dem Künstler der Ehrentitel der Pfalz verliehen. Nach seinem Tod gerieten sein Stil und seine formalen Experimente in Vergessenheit, und in den 1930er Jahren brach ein neues Interesse am Erbe von Arcimboldo aus. Seitdem gilt er gewissermaßen als Klassiker der europäischen Malerei und erweitert die Grenzen von Form und Inhalt.

"Porträt des Kaisers Rudolf II. Nach dem Bild von Vertumna" (italienisch: L'imperatore Rodolfo II. In veste di Vertumno) - Gemälde des italienischen Künstler-Manieristen Giuseppe Archimboldo, gemalt um 1590.

1562 wurde Archimboldo an den Hof des Heiligen Römischen Kaisers Maximilian II. Nach Wien eingeladen und diente dort als sein Nachfolger Rudolf II. In Prag. Nachdem er etwa 25 Jahre am habsburgischen Hof gedient hatte, trat der Künstler 1587 in den Ruhestand und kehrte nach Mailand zurück, schuf aber weiterhin Werke in seinem gewählten Stil, die er nach Prag sandte. Für "Porträt Rudolfs II. Nach dem Bild der Säule" wurde dem Künstler der Ehrentitel der Pfalz verliehen.

Dieses Porträt zeigt den Kaiser im Bild des Gott der Jahreszeiten und der irdischen Früchte von Vertumna, der im alten Italien bekannt war. Wertumn war der Gott der Transformation, der natürlichen Fülle. In der Antike wurde er hauptsächlich in Form eines Gärtners mit einem Gartenmesser und Früchten dargestellt. Auf diesem Bild besteht das Porträt des Kaisers aus einer Vielzahl von Früchten und Gemüsen, die die Vegetation und die Gaben der Natur aller vier Jahreszeiten darstellen. Gregorio Comanini, ein Freund des Künstlers, Dichters und Historikers, beschrieb dieses Bild: „Die Augen auf seinem Gesicht sind die Sterne des Olymp, seine Brust ist die Luft, sein Magen ist die Erde, seine Beine sind die Abgründe. Seine Kleider sind Früchte und Gras ... "

Dieses Gemälde ist derzeit auf dem Skukkloster in Stockholm ausgestellt.

Kusma Petrow-Wodkin, „Das rote Pferd baden“

Кузьма Петров-Водкин, «Купание красного коня»

Kusma Sergejewitsch Petrow-Wodkin (24. Oktober [5. November] 1878, Khvalynsk, Provinz Saratow, Russisches Reich - 15. Februar 1939, Leningrad, UdSSR) - russischer und sowjetischer Maler, Grafiker, Kunsttheoretiker, Schriftsteller und Lehrer, Verdienter Künstler der RSFSR ( 1930).

"Bathing the Red Horse" ist ein berühmtes Gemälde der Künstlerin Kuzma Petrov-Vodkin. Es wurde 1912 geschrieben, wurde ein Meilenstein für den Künstler und brachte ihm Weltruhm.

Wassili Kandinsky, „Komposition VII“

Василий Кандинский, «Композиция VII»

Vasily Vasilievich Kandinsky (4. (16) Dezember 1866, Moskau - 13. Dezember 1944, Neuilly-sur-Seine, Frankreich) - Russischer Künstler und Theoretiker der bildenden Kunst, der an den Ursprüngen der abstrakten Kunst stand. Einer der Gründer der Blue Horseman Gruppe. Onkel des Philosophen Alexander Kozhevnikov.

Dies ist natürlich keine vollständige Liste der Werke von Genies, und es ist nicht verwunderlich, wenn wir versehentlich Ihren Lieblingsautor verpasst haben. Selbst Weltmeisterwerke sind nicht jedermanns Sache, geschweige denn einzelne, eher originelle Maler. Einige Künstler verstecken aber auch Botschaften in ihren Werken. Wenn Sie sie finden, schreiben Sie in den Kommentaren darüber, danke.

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